DAS DIGITALE – MATERIAL UND METAPHER

Hey speaker: Janna Matijevic. Stahl, Kissen, Seil.

Ohne Titel: Nada Maren Matijevic. Stahl, abgeschnittenes USB-Kabel.

WLAN: Marie Leichinger. Stahl.

Selfie: Alexandra Diekhof. Tonkopf auf Eichenholzkorpus mit zwei gegenüber befestigten Spiegeln innen, Stahlgestell.

Cookie: Celina Wulf. Bauschaum und Karte im Offset-Druck.

Im Seminar „Das Digitale – Material und Metapher in der Plastik“ (ENGLISCH: The Digital – Material and Metaphor in Sculpture) geht es um experimentelles kunstpraktisches Arbeiten im Bereich Bildhauerei.
Wie wird eine Wahrnehmung zu einer Idee und wie wird diese Idee zu einer plastischen Arbeit? Welchen Einfluss hat das Digitale auf den eigenen Schaffensprozess im kunstpraktischen Arbeiten? Wie werden gefundene und gemachte Objekte zu einer Installation im Raum?
Ausgehend von der eigenen Ideenfindung entfaltet sich die eigene künstlerische Arbeit, für die oftmals die Benutzung der Werkstätten hilfreich ist, um sich mit der für das Vorhaben notwendigen Technik beschäftigen zu können.
Parallel zu den eigenen Versuchen und Übungen wird ein breites Spektrum zeitgenössischer und historischer Positionen der Bildhauerei besprochen.
Ein wesentlicher Gedanke zeitgenössischer Positionen (z.B. Magali Reus, Camille Henrot, Lutz Bacher) stützt sich dabei auf die Vorstellung des „Digital First“ bzw. auf den sogenannten post-digitalen Ansatz.
Gemeint ist eine Welt, in der physische Objekte und konkrete Materialien im Raum für komplexe und in der Regel unsichtbare Mensch-Maschine Prozesse stehen, die oftmals Machine Learning und künstliche Intelligenz einbeziehen. Ganz verkürzt gesagt kann ein Stein oder ein Tonklumpen somit auch für etwas Virtuelles stehen, also für einen postdigitalen Prozess.
Das ‚Post‘- in Postdigital bezieht sich auf einen digitalen Prozess, der uns stillschweigend umgibt, ohne dass direkt ersichtlich ist, dass es sich eigentlich um einen vernetzten Computer handelt, der Daten irgendwo hin sendet (Beispiel: Der Alexa Lautsprecher ist zugleich wie ein „Verkäufer“, der zu Hause auf dem Sofa allen privaten Bedürfnissen lauscht und entsprechende Kaufvorschläge macht, basierend auf Milliarden ähnlicher Datensätze vergleichbarer Menschen. Im Raum ist er jedoch nur als Lautsprecher sichtbar).
Wenn somit alltägliche Objekte nicht mehr nur das sind, was sie vorgeben zu sein, dann betrifft dies mehr und mehr auch die Welt des künstlerischen Ausdrucks und ihre Reflexionsebene. Die alte poststrukturalistische Agenda wandert analog dazu ebenfalls in das Reich des Digitalen. Ihre Redeweise von „Brüchen“, „Chaos“, „Lücken“ oder „Ergänzungen“, die für die künstlerische Produktion und ihre Wahrnehmung so wesentlich sind, wird somit zur Metapher, die künstlich hergestellt werden muss (ähnlich wie der „Schreibtisch“ in der grafischen Benutzeroberfläche eines Computers, der als virtueller Tisch deklariert wird).
Wegen der Komplexität dieses Hintergrundwissens bilden Einfachheit und Intuition im kunstpraktischen Machen wertvolle Parameter für die eigene Herangehensweise gemäß der Frage: Was habe ich gesehen und wie kann ich es ganz praktisch in eine künstlerische Arbeit übersetzen?

Lehrender: Michael Heym

Molino 2020 – Dulce es Dulce

v. l. n. r. Alina Maier: o. T. Sprühfarben auf Papier; Quang Tran: Forever Dumb, Acryl und Sprühfarben auf Leinwand, 130 x 150 cm; Alina Maier: o. T. Sprühfarben auf Nesselstoff, 130 x 150 cm.

Die Ausstellung der Molino-Winkler Stipendiat:innen 2020 zeigt Auseinandersetzungen mit dem eigenen Selbst, die in völliger Abgeschiedenheit und unter ganz neuen Einflüssen passieren durften. Vier verschiedene künstlerische Sprachen sind dabei aufeinandergetroffen und durften sich gegenseitig zu verstehen versuchen. So verschieden die Stipendiat:innen Paulina Amelie Holtz, Lena Keller, Alina Maier und Quang Tran, so verschieden auch ihre Prozesse, die in der diesjährigen Ausstellung im Raum für Kunst zu sehen sind.

o. T. Acryl auf Nesselstoff, 130 x 150 cm

v. l. n. r. Quang Tran: Aquamaria, Acryl und Perlfaser auf Leinwand, 60 x 80 cm; Paulina Amelie Holtz: o. T., Linolschnitt, 29,5 x 29,5 cm; o. T., Acryl auf Malpappe, 29,5 x 29,5 cm; Paulina Amelie Holtz: o. T., Tusche auf Papier, 29,7 x 21 cm; o. T., Mixed Media, 29,7 x 21 cm.

v. l. n. r. Quang Tran: Brooklyn Zoo, Acryl auf Leinwand, 50 x 70 cm; Quang Tran: Azure Height, Acryl und shibori auf Leinwand, 40 x 50 cm; Alina Maier: o. T. Acryl und Sprühfarben auf Leinwand, 90 x 110 cm

o. T., Mixed Media, 29,7 x 42 cm; Paulina Amelie Holtz: o. T., Tusche auf Papier, 21 x 29,7 cm

Zum 27. Mal jährte sich im Sommer 2020 das Molino-Winkler-Stipendium, das in Würdigung der Lehrtätigkeit des Malers Professor Woldemar Winkler vergeben wird. Im Rahmen einer Kooperation der Sparkasse Gütersloh und der Universität Paderborn, unterstützt durch die Familie Winkler-Mey, bringt das Stipendium eine kleine Schar von Studierenden in die von Woldemar Winkler (1902-2004) zum Landsitz und Atelier ausgebaute alte Wassermühle im andalusischen Binnenland. Trotz Corona Sommer 2020 waren die vier Stipendiat:innen vor Ort und produktiv.

Einführung in die Malerei – Seifenblasen

Janna Matijevic: Seifenblasen.

Isabel Steinbach: Seifenblasen, Acryl auf Papier, 59 x 42 cm

Emma Richter: o. T. Acryl auf Papier, 29,7 x 42 cm

Im Seminar werden neben den Grundlagen der Maltechnik und dem Umgang mit dem Ausdrucksmittel Farbe die Handhabung der verschiedenen Materialien erörtert und erprobt: das Vorbereiten von Malgründen, das Aufspannen und Grundieren von Leinwänden, das Präparieren von Papier für die weitere Nutzung als Bildträger, das Mischen von Farbe und der Einsatz von Malmitteln. Das Experimentieren mit Farbe, die Wahrnehmung eigener Interessen und Fähigkeiten und das Erarbeiten von Inspirationsquellen, die im künstlerischen Schaffensprozess zur Themenfindung beitragen können, haben das Ziel eine eigene Bildvorstellung zu entwickeln und auszuarbeiten.

Lehrender Prof. Max Schulze

Sprühfarben-Malerei

Clara Bodenstaff: Warten

Gülcan Colban: Porträt Rausch, Sprühfarben

Frederike Lampe: Mensch im Garten, Sprühfarben auf Papier

Chiara Lappe: light, Sprühfarben auf Papier

Adele Kleim: Der Weinabend, Sprühfarben auf Papier.

Seit die Farbspraydose gegen Ende der 1950er Jahre in den USA in Serienreife ging, und sich rasch über die ganze Welt ausbreitete, war sie für avantgardistische Künstler*innen die nach neuen, noch nicht tradierten und antielitären Instrumenten und Techniken suchen, eine Möglichkeit zu neuen Bildern zu gelangen. #Dabei wird die Farb- bzw. Lackspraydose zunächst nicht für bildende Künstler als mögliche Zielgruppe gedacht und entwickelt. Sie ist bis in die frühen 1990er Jahre für der Kunst ferne Anwendungsbereiche konzipiert. Erhältlich war sie nur in Autohäusern, KFZ-Werkstätten und Baumärkten. Gerade dieser Anti-Akademische Zusammenhang, gepaart mit den spezifischen Eigenheiten des Farbauftrags, eröffneten der so oft totgesagten Malerei neue Wege.
Gerade in den letzten Jahren gibt es in den Sozialen Netzwerken eine Flut von mit Dose gemalten Bildern auf Leinwand zu sehen. Auffallend an ihnen ist, das sie die über viele Jahre beherrschenden Styles und malerischen Regeln des Graffiti hinter sich lassen und scheinbar völlig frei von diesen Regeln versuchen, im klassischen Sinn „zu malen“.

Lehrender Prof. Max Schulze

Heroine – about Feminism and painting

Pauline Kessler: S.L.U.T., Acryl auf Papier, 29,4 x 41,7 cm

Jennifer Zittlau: rasende Angst, 2021, Acryl auf Leinwand, 50 x 40 cm

Sarah Uffenbrink: Fine Duplex, Fire Dot 4 & Fire Dot Circle, Acryl auf Holz

Anonym: ‚o.T.“, 75 x 115 cm

Marcella Abdalla: ‚Zoe Kravitz‘ aus der Vulvenmünder-Reihe, Aquarell auf Papier, DIN A3

Der Feminismus ist in der Popkultur angekommen. Spätestens damit, dass Beyoncé ihn zu vermarkten weiß. In der 4. Welle des Feminismus zeigt sich eine große Diversität an Strömungen.
In der Malerei ist der Kampf um Gleichberechtigung schon frühzeitig zu finden. Artemisia Gentileschi sprengte die Normen Ihrer Zeit. Um 1620 malte Sie ein Bild, das Bände spricht: ihre Judith köpft kraftvoll den Holofernes; das Blut spritzt und der Mann ist entmachtet. Sie kämpft sich aus den vorgeschriebenen Sujets für Malerinnen heraus und wählt sich selbstbestimmte Frauen als Motiv statt den üblichen Blumenstillleben. Sie platziert den Ekel im Gesicht der Judith, um ihr Gleichnis nicht mit einem Ausdruck der Schönheit zu verharmlosen. Das Ideal der passiven, sich rekelnden Muse sucht man vergebens in ihren Bildern. Artemisia Gentileschi wurde erfolgreich wiederentdeckt, doch viele die vor und nach ihr kamen sind dem patriarchalen Vergessen der Kunstgeschichte zu Opfer gefallen.
In den 1980er Jahren stellte man fest, dass sich Hilma af Klint sogar vor Picasso der Abstraktion bediente. Heutzutage widmen sich ihr große Ausstellungshäuser. Doch hilft es nicht, dass Feminismus im Trend steht, um tatsächliche Veränderungen in der Gesellschaft anzukurbeln. Noch immer werden die wichtigen Einzelausstellungen der Museen vermehrt an weiße „CIS-Männer“ vergeben. Der Slogan der Guerrilla Girls „Do Women Have To Be Naked To Get Into the Met. Museum?“ von 1989 hat seine Wucht nicht verloren.
Wie gehen wir heute in der Kunst mit traditionellen Geschlechterrollen und Diskriminierungen um? Mittels einer malerischen Auseinandersetzung wollen wir uns einem der wichtigsten Themen der Zeit widmen und herausfinden, wie man dem Kampf um Gleichberechtigung ein starkes Bild geben kann. In Gruppengesprächen werden mit den Teilnehmer*innen Arbeitsschritte reflektiert und Bildthemen hinterfragt. Anhand ausgewählter, zeitgenössischer Positionen soll dabei das visuelle Vorstellungsvermögen erweitert werden. Im Zusammenhang des Seminars ist ein virtuelles Ateliergespräch mit einer aktuellen Künstlerin geplant, das Einblicke in neue Arbeits- und Denkprozesse bieten soll.

Lehrende Carolin Israel

3D-DRUCK – industrieller Fertigungsprozess oder neues Medium der Kunst? Experimentelles Arbeiten mit einer innovativen Technik

Manuel Hess: Mnemosyne III. 3D-Druck, lackiert, 10 x 7 x 23 cm.

Lea Sophie Müßinger: Skulpturale Vase im Stil der 1980er Jahre. 3D-Druck, ca. 9,7 x 6,4 cm.

Conny Piontek: Ohne Titel. 3D-Druck aus weißem PLA, ca. 19 x 23 x 14cm.

Der 1830 geborene Francois Willème gilt als Wegbereiter des 3D-Drucks. Ausschlaggebend dafür war die Erfindung der Fotografie im 19. Jahrhundert. Willème platzierte seine Modelle inmitten eines runden Raums, an dessen Wänden in gleichmäßigen Abständen Fotoapparate installiert waren. So gelang es ihm im übertragenen Sinne eine 360°-Momentaufnahme seines Modells zu fotografieren, welche mit einem simplen Trick in eine dreidimensionale Abbildung überführt wurde. Dass seine sogenannte Photoplastik auch noch in Gips oder Keramik von Angestellten ausgeführt werden konnte, machte sein Verfahren kommerzialisierbar und er konkurrierte unmittelbar mit herkömmlichen Bildhauerinnen. Zum weiteren Leidwesen jener war sein Fertigungsprozess schneller, preiswerter und sein Ergebnis von einer herkömmlichen Plastik nicht zu unterscheiden. Willèmes patentierte Technik steht der heutigen Fotogrammetrie nahe und die eben aufgezählten Vorteile seines Verfahrens sind ausschlaggebend für den Erfolg des 3D-Drucks. Beispielsweise sind Prototypen im Ingenieurswesen mit den heutigen 3D-Drucktechniken mit einem Bruchteil der ursprünglichen Kosten umsetzbar. Aber wo bleibt da die Kunst? Es ist geradezu paradox, dass die Kunst Oliver Larics Willèmes kommerzielles Verfahren der Photoplastik aufgreift und mit Hilfe des 3d-Scans in den postdigitalen Diskurs überträgt. Ebenso erforschen wir, wie man per 3D-Scan und digitalem Modellieren künstlerisch tätig wird. Gleichzeitig erhält man einen Einblick in die künstlerische Produktionsweise von Künstlerinnen, die sich mit 3D-Druck auseinandersetzen.
In der Lehrveranstaltung wird mit der Freeware Meshmixer auf dem eigenen Laptop gearbeitet, mit welcher 3D-Objekte modelliert werden. Weiterhin werden die Kunstwerke der Studierenden im 3DLab der Uni Paderborn gedruckt.

Lehrender: Thomas Musehold

DAS MATERIAL UND ICH – Performative Materialeinwirkung als bildhauerische Strategie

Lam-Anh Hülsbeck: Ohne Titel. Kinetische Plastik / Soundinstallation aus einem Kinderwagen, 80 x 80 x 170 cm.

Lena Grethe: Ohne Titel. Zerschnittenes Papier, 80 x 30 x 15 cm.

Nina Woltmann: Ohne Titel. Metallguss, 21 x 15 x 3 cm.

Annika Dilara Bodemer: Konservierung Corona Schnelltestzentrum. Schnelltestkit in Epoxidharz, 6,5 x 6,5 x 6,5 cm.

Lena Niermann: Spülmaschine auf Wäscheständer. Installation, 95 x 250 x 60 cm.

Auf einen Tonblock einprügeln, in einem Sandhaufen rumwühlen, Material oder Dinge zerschneiden, zersägen, einschmelzen, einen D-Böller in einem Gipshaufen hochgehen lassen, Material oder Dinge anzünden oder vom Hochhaus runterwerfen, auf eine Glastafel schießen, Beton die Böschung runterschütten, … – dies alles sind bildhauerische Strategien, mit denen ein ausgewähltes Material oder Ding performativ auf seine physikalischen Eigenschaften oder üblichen Gebrauchskonventionen hin befragt werden kann. Dabei werden grundlegende bildhauerische Problemstellungen berührt: die Visualisierung von Materialeigenschaften, die Materialisierung von Bewegungsfiguren, die (provozierende) Zerstörung als produktiver, kreativer Akt, die Sichtbarmachung von Unsichtbarem, die Reflexion von Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft im Objekt, von Wert und Wertlosigkeit, die Bedeutung von Alltagsgegenständen wird durch Umnutzung reflektiert, etc. Im Fokus steht der Dialog zwischen Material oder Ding und Agierendem im Prozess. Am Ende bleibt ein ‚traktiertes‘ Material oder Ding, transformiert zu einem künstlerischen Objekt, in dem sich ein Akt der Spurenlegung manifestiert. Ist das nun Kunst oder kann das weg? Mit dieser und weiteren Fragen beschäftigen wir uns, indem zeitgenössische künstlerische Positionen (wie etwa Roman Signer, Lucio Fontana, Brie Ruais oder Lynda Benglis) betrachtet und eigene künstlerisch-praktische Konzepte und Projekte entwickelt und realisiert werden.

Lehrende: Svenja Langer

WEGE DER ABSTRAKTION IN DER KERAMIK

Helena Clemens: Abstraktion. Glasierte Keramik, 23 x 14 x 23 cm.

Milena Pasel: X. Glasierter Ton, ca. 18 x 23 x 6 cm.

Milena Pasel: Ohne Titel. Ton mit ungebrannter Glasur, 5 x 27 x 6 cm.

Milena Pasel: Tina. Ton, substraktives Verfahren, 13 x 18 x 13 cm.

Nina Filippczyk: Waffelstadt. Gebrannter Ton, ca. 40 x 12 x 40 cm.

Keramik wird häufig assoziiert mit Gebrauchskeramik, mit der zugleich bestimmte Formen verbunden sind. In der zeitgenössischen Kunst ist die Keramik jedoch eine sehr aktuelle und vielseitige Bildsprache jenseits vertrauter Gefäßformen oder figürlicher Darstellungen, die sich auch besonders für abstrakte Formfindungen eignet. Eine große Herausforderung besteht in dem Finden einer Form, wenn das Naturvorbild nicht den Bezugspunkt darstellt. In der Reduktion und der damit verbundenen Fokussierung auf das Wesentliche kann das Naturvorbild aber durchaus am Anfang eines Formfindungsprozesses stehen, das nach verschiedenen Abstraktionsschritten nur noch entfernt oder gar nicht mehr identifizierbar ist. Im Seminar wird der durch die Loslösung vom Naturvorbild entstehende Raum für freie Formentwicklungen erkundet, in dem zugleich handwerklich-technische Verfahren in ihren Grenzen und Möglichkeiten hinterfragt werden.

Lehrende: Prof. Dr. Karina Pauls

SKULPTUR UND FARBE

Ella Beer: ohne Titel. Gips, 12 x 25 x 34 cm.

S. Dönni: Handschmeichler in XXL. Drahtkonstruktion, Gips, 3 x 2,5 x 3 cm bis 90 x 70 x 54 cm.

Veronika Fomin: Ohne Titel. Pappmaschee, Drahtkonstruktion, ca. 45 x 40 x 40 cm.

Madeline Schütze: Ohne Titel. Drahtkonstruktion, Jute, Styropor, Gips, Epoxidharz, Pigmente, 68 x 44 x 22 cm.

Polychromie oder doch ein erhabenes Weiß? Woher kommt die Vorstellung, dass Skulpturen weiß sein sollen? In der zeitgenössischen Kunst gehört die Farbe ganz selbstverständlich zum Bereich der Skulptur und doch stellt sich die Frage, inwieweit traditionelle Vorstellungen weißer Skulpturen auch heute noch relevant sind.
In diesem Seminar werden Möglichkeiten der Arbeit mit Farbe im Bereich der Bildhauerei ausgelotet und auf ihre Wirkung hin untersucht. Dabei werden nicht nur verschiedene vertraute Wege, Farbe in die Skulptur einzubeziehen, vermittelt, sondern im experimentellen Umgang mit verschiedenen Materialien und Verfahren sollen eigene Konzepte für das Zusammenspiel von Form und Farbe entwickelt werden. Die Betrachtung historischer und zeitgenössischer künstlerischer Positionen öffnet – über den Tellerrand der eigenen Arbeit hinaus und ergänzend dazu – den Blick für Ausdrucksmöglichkeiten im weiten Feld der Skulptur.

Lehrende: Prof. Dr. Karina Pauls

SKULPTUR – INSTALLATION – RAUM

S. Dönni: Waschen am Geseker Teich. Waschmaschine, Stoff, ca. 200 x 200 x 450 cm.

Ayse Rana Cabuk: Treppenhausreiniger. Plastikrohr, Edelstahl Teleskopstange, Microfaser-Moppbezüge, 142 x 15 x 15 cm.

Jana Grenz: Ariadnewürfel. Glas und Epoxidharz, ca. 50 x 50 x 50 cm.

Monika Friedrich: Eine kindliche Figur auf dem Stein. Draht, Pappmaché, ca. 60 x 30 x 30 cm.

Katharina Wörmann: Bilder des kollektiven Gedächtnisses. Papier und Pappe im Holzrahmen, ca. 150 x 50 x 1 cm.

Welche Rolle spielt Raum in der Skulptur? Inwieweit kann in der Skulptur „Raum“ selbst zum Thema werden und neue Sichtweisen ermöglichen? In welchem Bezug steht die Skulptur zum umgebenden Raum, greift verändernd in diesen ein? Wann spricht man von einer Installation und welche Rolle spielt in diesem Zusammenhang der Betrachtende?
Der Begriff der Skulptur ist heute so weit gefasst, dass es zunehmend schwerer wird, zu benennen, was die Skulptur ausmacht. In diesem Seminar nähern wir uns dem offenen Feld der Skulptur über Fragen des Raumes. Neben der Entwicklung eines eigenen künstlerischen Konzepts umfasst das Seminar reflexive Momente der Auseinandersetzung mit verschiedenen künstlerischen sowie wissenschaftlichen Positionen zum Raum.

Lehrende: Prof. Dr. Karina Pauls