In diesem Seminar steht das Thema Rabbit Hole im Zentrum – ein vielschichtiger Begriff, der vom Abtauchen in surreale Fantasiewelten bis hin zum Verlust in digitalen Echokammern reicht. Ursprünglich entlehnt aus Lewis Carrolls Alice im Wunderland, beschreibt der Ausdruck das gedankliche Abgleiten in andere Realitäten. Alice folgt dem weißen Kaninchen und landet in einer Welt jenseits logischer Ordnungen – ein Bild für kreative Neugier, aber auch für Kontrollverlust.
Heute wird der Begriff Rabbit Hole auch kritisch verwendet, etwa wenn sich Menschen in extremen digitalen Nischen verlieren. In gesellschaftlichen Debatten, ist vom „Rabbit-Hole-Effekt“ als möglicher Mechanismus für digitale Radikalisierung die Rede. Große Plattformen wie YouTube stehen dabei in der Kritik, durch ihre Empfehlungsalgorithmen zu einer schleichenden Desinformation beizutragen.
Im Seminar nähern wir uns diesem vielschichtigen Thema aus künstlerischer Perspektive. Neben der Erarbeitung einer eigenen Bildvorstellung werden Grundlagen der Maltechnik vermittelt: das Vorbereiten von Malgründen, das Aufspannen und Grundieren von Leinwänden, das Mischen von Farben sowie der gezielte Einsatz von Malmitteln und Werkzeugen. Das Experimentieren mit Material und Ausdruck steht dabei ebenso im Fokus wie das Reflektieren individueller Interessen und Inspirationsquellen.
Dina Inalova: o.T., Acryl auf LW, 80 x 60 cm
Im Seminar nähern wir uns diesem vielschichtigen Thema aus künstlerischer Perspektive. Neben der Erarbeitung einer eigenen Bildvorstellung werden Grundlagen der Maltechnik vermittelt: das Vorbereiten von Malgründen, das Aufspannen und Grundieren von Leinwänden, das Mischen von Farben sowie der gezielte Einsatz von Malmitteln und Werkzeugen. Das Experimentieren mit Material und Ausdruck steht dabei ebenso im Fokus wie das Reflektieren individueller Interessen und Inspirationsquellen.
Lehrender: Prof. Max Schulze
Maja Mendelin: o.T., Acryl auf LW, 40 x 70 cm
Tugba Saydam: Swipe, Fall, Repeat: Verloren im Muster., Acryl auf LW, 50 x 40 cm
Vasiliki Georgiadou, Spiraling, Acryl auf LW, 100 x 70 cm
[ˌsoβɾeˈmesa] Substantiv, feminin (la) Die Momente nach einer gemeinsamen Mahlzeit, in denen das Beisammensein nicht endet,sondern sich verdichtet. Ein Zustand zwischen Sättigung und Austausch, Alltag und Intimität– wenn sich Gespräche entfalten, Gedanken zirkulieren und Gemeinschaft entsteht. Einstilles Manifest für das, was geschieht, wenn Menschen wirklich beieinander sind.
Dieses tief verankerte Ritual spanischer Alltagskultur bildet den thematischen Ausgangspunkt der Ausstellung. Es werden Werke präsentiert, die während eines Aufenthalts der Künstler*innen im Rahmen des Molino-Winkler-Stipendiums der Universität Paderborn im Sommer 2024 entstanden sind. Zwei Monate lang lebten und arbeiteten sie in der Molino, einer alten Wassermühle in den andalusischen Bergen, nahe des Dorfes Árchez. Eingebettet zwischen sanften Hügelketten, gewundenen Straßen, weißen Häusern und dichten Olivenhainen, wurde die Mühle zu einem Ort des Rückzugs, der Entschleunigung und des künstlerischen Austauschs. Der Ortswechsel, geografisch wie kulturell, wirkte dabei als produktiver Störmoment im gewohnten Denken und Schaffen. Es entstand ein temporärer Mikrokosmos und geteilter Lebensraum zugleich.
Die Ausstellung versteht die Sobremesa nicht nur als sprachliches Bild, sondern als ästhetisches Prinzip. Viele der gezeigten Arbeiten sind in kollaborativen Formaten entstanden und reflektieren Aspekte gemeinschaftlicher Produktion, kollektiven Denkens und ortsspezifischer Erfahrung. Installationen, Grafiken, Malereien, textile Objekte sowie fotografische und intermediale Arbeiten verhandeln Themen wie Gemeinschaft, Erinnerung, Raum und Atmosphäre. Das Klima, die Topografie und kulturelle Vielschichtigkeit Andalusiens sind dabei auf subtile Weise in die Werke eingeschrieben. Der Ort ist nicht nur Kulisse, sondern Resonanzraum künstlerischer wie sozialer Erfahung.
En la Sobremesa ist eine Einladung zur Teilhabe. Eine Haltung, die kollektives Arbeiten als wertvolle Praxis begreift. Die Ausstellung zeigt nicht nur Ergebnisse, sondern auch Spuren eines gemeinsamen Prozesses. Sie ist ein Nachklang – wie ein Gespräch, das nach dem Essen weitergeht.
Ida Katharina Albers, Louisa Enking, Lea-Marie Göllner, Mareen Kloppenburg, Sarah Köster, Celina Nitschke, Nicole Otto, Maurice Sam, Eleonore Seiferth, Greta Vornweg, Bianca Weber und die Teilnehmer:innen der Performance “Walking on thin Ice”
Bilder: Celina Nitschke: Weggeglitscht I-III, Acryl auf Leinwand, 60 x 50; 75 x 120; 100 x 120 cm; Skulptur: Maurice Sam: Amidst the fog beyond the tears, 2024, Keramik, Glasur & Sand, 51 x 300 cm
Sarah Köster: Fragile Maskulinität, 2024, Jacke aus Küchenrolle und Lappenstoff auf schwarzem Kunststofftorso mit weißem Permanentmarker, 90 x 50 x 25 cm
Bilder: Mareen Kloppenburg: Service, 2024, Acryl auf Leinwand, 60 x 80 cm, Entertainment, 2024, Acryl auf Leinwand, 130 x 150 cm, Acryl auf Leinwand, Holy Crap, 2024, Acryl auf Leinwand, 60 x 40 cm, Acryl auf Leinwand; Skulptur: Ida Katharina Albers: Treibholz, 2025, Biegesperrholz, 160 x 11 x 52 cm
Nicole Otto: Digitale Collage aus der „Serie Bringing climate change home“, 50 x 70 cm
v. l. n. r. Greta Vornweg: ohne Titel, digitale Zeichnung, 21 x 29,7 cm; Mareen Kloppenburg: Service, 2024, Acryl auf Leinwand, 60 x 80 cm,
Maurice Sam: Harbor of Empires, Keramik, 2024, Glasur, Holz, Acryl, 55 x 150 cm
Die zweite Ausgabe der Ausstellungsreihe CONSTELLATIONS zeigt künstlerische Arbeiten von Studierenden, die sich in unterschiedlichen theoretischen und praktischen Seminarkontexten mit dem Thema, oder besser: mit Tendenzen von «Wasser» auseinandergesetzt haben. Entstanden sind vielfältige Arbeiten aus den Bereichen Malerei, Zeichnung, Bildhauerei, Fotografie und Collage die erweitert werden durch mehrteilige Bildstrecken und großformatige Texte.
Doch was genau sehen wir, wenn wir auf «Wasser» blicken, und was meinen wir, wenn wir «Wasser» sagen? Gewässer? Das Meer, den See oder Fluss? Schnee oder Eis? Das Freibad oder den Pool? Wasser ist ein Urstoff, zugleich ein winziges Molekül und gleichzeitig kostbar, existenziell und in vielerlei Hinsicht die unverzichtbarste Lebensgrundlage für Mensch und Natur. Es besteht aus zwei Wasserstoffatomen und einem Sauerstoffatom. Als chemische Verbindung von Wasserstoff und Sauerstoff steht die Formel: H2O. Klar, geruchslos, farblos und geschmacksneutral – so einfach lassen sich die Grundeigenschaften von Wasser zusammenfassen. Wasser ist aber auch ein Gestaltwandler. Es kommt auf der Erde in drei Zuständen vor: flüssig, gasförmig und fest. Flüssiges Wasser ist ein Wirrwarr von Wassermolekülen. Es kommt aus unseren Wasserhähnen, fließt unter der Erde, in Flüssen und Meeren und bildet Wolken und Nebel in der Luft. Wasser gilt außerdem als Symbol für Reinheit, Ruhe, Kraft und Vergänglichkeit.
Die künstlerische Auseinandersetzung mit «Wasser» galt und gilt in der Kunst stets als eine immense Herausforderung, das machen auch die hier versammelten 12 Positionen deutlich. Wasser ist in ständiger Bewegung, wechselt permanent Zustand, Aussehen und Farbe und entzieht sich somit einer einzigen Festlegung und eindeutigen Bestimmung. Dadurch treten andere, neue Eigenschaften und Erscheinungsweisen umso stärker hervor, wie Strukturen, Linien und Formen, womit auch neue Beschreibungsweisen und damit auch weitere Anknüpfungspunkte korrespondieren. Gleichzeitig ist Wasser aber auch realer Raum, Ort, Landschaft, Ereignis, Erfahrung und Erinnerung, wodurch es sich als Projektionsfläche existenzieller Reflexionen anbietet. Auf diese Weise treten die studentischen Arbeiten in immer neue Konstellationen, worüber visuelle Strategien zu Künstler*innen sichtbar werden, die das Wasser als künstlerisches Material nutzen und immer auch Anbindungen an aktuelle Debatten von Klimakrise, Ressourcennutzung, Nachhaltigkeit suchen.
Die für den Kunstverein Paderborn realisierte thematische Bilderschau zeigt auf vielfältige Weise, wie Wasser wahrgenommen, befragt und auf experimentelle oder konzeptuelle Weise in unterschiedliche Medien und Formate transformiert werden kann.
Die Constellations 25 werden durch Ida Katharina Albers, Louisa Enking, Lea-Marie Göllner, Mareen Kloppenburg, Sarah Köster, Celina Nitschke, Nicole Otto, Maurice Sam, Eleonore Seiferth, Greta Vornweg, Bianca Weber und die Teilnehmer:innen der Performance „Walking on thin Ice“ gebildet.
Prof. Dr. Sabiene Autsch, Prof. Dr. Karina Pauls, Prof. Max Schulze
Ausstellungsdauer: Sa 14.06. – So 29.06.2025 geöffnet Mi – Fr | So 15 – 18 Uhr | Sa 10 – 14 Uhr Der Eintritt ist frei.
Hans Brügger: o.T., Arcyl und Spray auf LW, 130 x 150 cm
Carlotta Rodewald: Unentdeckt in der Disko, Arcyl auf LW, 40 x 40 cm
Charlotte Oberhoff: o.T., Arcyl auf Malkarton, 24 x 30 cm
Diana Schmidt: Identität in Auflösung, Arcyl auf LW, 50 x 70 cm
“C’est nous qui avons fait ça!” (Wir haben das gemacht!) soll Picasso beim Anblick einer Kanone in Tarnfarben gerufen haben. Dabei verwies er auf ihre zersplitterten Muster (dazzle prints), die 1915 von der französischen Armee unter künstlerischer Beihilfe entwickelt wurden und die in der Tat, dem analytischen Kubismus entlehnt waren. Tarnmuster und Tarnstrategien sind seit dem Beginn des Ersten Weltkriegs verknüpft mit künstlerischen Strategien und Bildentwürfen. Ob Paul Klee, der während seines Militärdienstes als „Kunstmaler“ die Tarnbemalung der Flugzeuge ausbessern musste und sich von dieser Arbeit für weitere Bilder inspirieren ließ, oder Norman Wilkinson, der vor dem Krieg ein konservativer, die Avantgarde ablehnender Maler von Marine-Sujets gewesen war, dann die Leitung einer Marine-Tarneinheit übernahm und dadurch zum Modernisten wurde: die Verknüpfung von Camouflage und Kunst nimmt in dieser Zeit ihren Anfang. Seit den 1960er Jahren entdeckte die Pop-Kultur das Tarnmuster für sich. Bei Anti-Vietnam- Demonstrationen trugen Veteranen, ihre grün-braunen Dschungel-Uniformjacken, um gegen den Krieg zu protestieren, und machten den ersten Schritt hin zur Subversion der Militärfarben. Heute ist „Camo“ ein Trend-Muster welches sich auf allen erdenklichen Produkten (von Babykleidung bis Kopfkissen) wiederfindet. Es wird nicht mehr dafür benutzt etwas verschwinden zu lassen, sondern – ganz im Gegenteil – um aufzufallen. Dabei geschieht einer Militarisierung des Zivilen und einer »Zivilisierung« des Militärischen, wie Hans-Christian Dany in seinem gerade erschienenen Buch „MA-1. Mode und Uniform“ schreibt.
Ausgehend von der aktuellen Verwendung dieser Muster in Mode und Design, möchten wir in dem Seminar versuchen, malerisch auf die geänderte Nutzung zu reagieren und uns mit der Frage auseinanderzusetzen, warum gerade heute, in einer Zeit, die von vielen politischen wie sozialen Veränderungen bestimmt ist, Camouflage allgegenwärtig ist.bindet diese theoretischen Überlegungen mit einer künstlerisch-praktischen Herangehensweise: Das Experimentieren mit Lasurtechniken, Sprühfarben und dem Einbeziehen von digitale Arbeitsmethoden in die Malerei. So entstehen Werke, die Abwesenheit und das Flüchtige thematisieren und gleichzeitig neue technische und konzeptuelle Ansätze erproben. Durch Gruppengespräche und Reflexion von Arbeitsschritten wird der kreative Prozess individuell begleitet. Zeitgenössische Positionen dienen als Inspiration, um das visuelle Vorstellungsvermögen zu erweitern. Dieses Seminar richtet sich an alle, die Interesse an experimentellen Techniken, aktuellen Bildthemen und der Reflexion über das Sichtbare und Unsichtbare in der Malerei haben.
Lea Schulte-Lindhorst: Bis in die Puppen, Arcyl auf LW, 130 x 150 cm
Alina Jakobi: Stimmen der Zeit, Arcyl auf LW, 80 x 100 cm
Alyssa Bergstreiser: O.T., Öl auf Holz, 60 x 56 cm
Gina Müntefering: Du bleibst, Arcyl auf LW, 60 x 80 cm
Das Phänomen des „Ghostings“ ist nicht nur ein Begriff aus der digitalen Kommunikation, sondern kann als eine Metapher für das geisterhafte Verschwinden und der Abwesenheit von Etwas gelesen werden. Ghosting, ein Begriff, der ursprünglich den plötzlichen Kontaktabbruch in zwischenmenschlichen Beziehungen beschreibt, wird hier als Ausgangspunkt einer malerischen Auseinandersetzung verwendet. Dieses Seminar untersucht das Unsichtbare als künstlerisches Konzept und erforscht, wie sich das Motiv des Hirngespinstes, der Transparenz und der Unschärfe sowohl gestalterisch als auch thematisch in der Malerei manifestieren lässt. Wie wird das Flimmern von Vorstellungen, das Verblassen von Bildern und das Verschwinden von Formen sichtbar gemacht? Welche Techniken können Abwesenheit und die Fragilität des Sichtbaren in der Malerei ausdrücken? Auf der Suche nach gesellschaftlichen, psychologischen Themen und ästhetischen Konzepten werden wir Transparenz und Lasur als Maltechniken kennenlernen. Die Technik der Lasur ist bereits seit der Antike bekannt, wurde jedoch besonders mit der Entwicklung der Ölmalerei in der Renaissance perfektioniert. Durchscheinende Farbebenen können, richtig eingesetzt, eine Wirkung von Tiefe, Lichteinfall, Fragilität oder Flüchtigkeit erzeugen und eine malerische Illusion vermitteln. In frühen fotografischen Verfahren, wie der Langzeitbelichtung, entstanden „Geisterbilder“, wenn sich Objekte oder Personen während der Aufnahme bewegten. Diese Effekte, ursprünglich technische Unzulänglichkeiten, wurden später bewusst als gestalterisches Mittel genutzt, um Mehrdeutigkeit, Vergänglichkeit und vermeintlich okkulte Beweise darzustellen. Dies zieht sich bis in die heutige Bildbearbeitung und zeigt sich in den Social Media Kanälen – beispielsweise bei der Simulation von Deepfakes – bei der das Spiel mit Realität und Illusion genutzt, um Sichtbarkeit und Authentizität zu inszenieren. Gleichzeitig eröffnet die Auseinandersetzung mit neuen digitalen Technologien und Social Media in Bezug auf Malerei – Fragen nach Sichtbarkeit, Erinnerung und Bildmanipulation. Diese Techniken werfen grundlegende Fragen nach dem Verhältnis von Bild und Wirklichkeit auf: Was zeigt ein Bild wirklich und was bleibt verborgen?
Das Seminar verbindet diese theoretischen Überlegungen mit einer künstlerisch-praktischen Herangehensweise: Das Experimentieren mit Lasurtechniken, Sprühfarben und dem Einbeziehen von digitale Arbeitsmethoden in die Malerei. So entstehen Werke, die Abwesenheit und das Flüchtige thematisieren und gleichzeitig neue technische und konzeptuelle Ansätze erproben. Durch Gruppengespräche und Reflexion von Arbeitsschritten wird der kreative Prozess individuell begleitet. Zeitgenössische Positionen dienen als Inspiration, um das visuelle Vorstellungsvermögen zu erweitern. Dieses Seminar richtet sich an alle, die Interesse an experimentellen Techniken, aktuellen Bildthemen und der Reflexion über das Sichtbare und Unsichtbare in der Malerei haben.
Mila Heierhoff, Sophia Isaak, Henrike Pohle, Carlotta Rodewald, Madeline Schütze
Daria Büttner, Daria Fomina, Cerrin Hülsiggensen, Vera Kiene, Nicky Kippes, Hauke Kottisch, Celine Laribi, Charlotte Oberhoff, Marie Relecker, Yaara Räder, Luke Schlagregen, Lea Schmücker, Wiebke Siekmann, Nele Take, Selin Nur Üstün, Ina Weinbrich, Hella Westers, Katrin Sofie Vaal,
Julia Farbaniec:
Valentina Angilico, Mandy Berg, Hans Brügger, Adna Camo, Madelaine Dunschen, Vasiliki Georgiadou, Maximilian Giefers, Sophie Günther, Nicky Kippes, Nina Kuhle, Yasmin Kutschera, Oksana Kuitkowski, Erdona Milkurti, Henrike Pohle, Alicia Scheitz, Aysel Yildiz,
Lisa Rempe, Emma Richter
Marcella Abdalla, Xenia Pericie
Auch in diesem Jahr präsentieren die Studierenden der Fächer Kunst und Textil in den Räumen des Silos ihre Arbeiten, die im vergangenen Studienjahr entstanden sind. Zu sehen ist ein breites Spektrum an Arbeiten aus den unterschiedlichen Bereichen wie Malerei, Grafik, Bildhauerei, Fotografie, kuratorische Praxis, Installation, Textildesign und – gestaltung und Performance. Für Besucher:innen ebenso wie für Studieninteressierte entsteht somit ein umfangreiches Bild von künstlerischen und gestalterischen Entwicklungsprozessen.
Eine thematische Verbindung über Gattungsgrenzen hinweg stellt die Auseinandersetzung mit der Rolle von Wasser – als Motiv, als Medium oder in seinen verschiedenen Aggregatzuständen – dar. Dabei werden aktuelle gesellschaftliche Fragestellungen sowohl in der malerischen als auch der bildhauerischen Arbeit in den Blick genommen: Wasser als Grundlage allen Lebens und als Bedrohung für Leib und Leben angesichts von Extremwettereignissen bedingt durch den Klimawandel. Ein Dreh- und Angelpunkt sowohl in der künstlerischen Arbeit als auch in der wissenschaftlichen Reflexion ist das Fragen nach der Relation zwischen neuen und traditionellen Ausdrucksformen. In der Druckgrafik wird deutlich, dass traditionelle Techniken wie der Holzschnitt und die Kaltnadelradierung auch in der zeitgenössischen Kunst noch eine wichtige Rolle spielen, dass aber auch neue künstlerische Praktiken wie das „Sticker bombing“ hinzutreten. Der Siebdruck wird als Medium zur Gestaltung von Aufklebern genutzt, mit denen Botschaften schnell und überall verbreitet werden können.
Im Bereich Textilgestaltung zeigen die Studierenden in einer selbst konzipierten Präsentation einen vielfältigen Querschnitt kreativer Ansätze – von textilen Experimenten bis hin zu interdisziplinären Projekten. Die Ausstellung gibt auch dieses Mal wieder einen faszinierenden Einblick in die unterschiedlichen Seminare und Semester der letzten Jahre, welcher die Bandbreite technischer, gestalterischer und theoretischer Auseinandersetzungen widerspiegelt. Dazu zählen auch Beiträge aus kulturwissenschaftlichen Seminaren, darunter Podcasts, die Verbindungen zwischen popkulturellen Phänomenen in Musik und Mode analysieren. Eine Installation im Treppenhaus reflektiert das Problem des Raumes, den dreidimensionale Arbeiten für Ihre Entfaltung benötigen, den sie gestalten und neu definieren.
„What‘s real, who‘s real, what‘s fake and who?“ Von Andy Warhol über Gillian Wearin bis Cindy Sherman: Alle tun es! Dieses Seminar widmet sich der praktischen Erforschung und Diskussion eines grundlegenden Aspekts künstlerischer Arbeit, der oft sowohl bewundert, als auch kritisiert wird: der Kunst des Nachahmens und Interpretierens. Durch die Untersuchung von Imitation und Interpretation in verschiedenen künstlerischen Kontexten werden wir die vielfältigen Dimensionen dieses Phänomens erkunden und ihre Rolle bei der Entstehung neuer Werke sowie bei der Entwicklung künstlerischer Traditionen untersuchen.
Anna-Marie Merk: o.T., Acryl und Collage auf LW, 80 x 90 cm
Wenn wir heute über Ordnung und Unordnung sprechen, denken wir häufig an zwei gegensätzliche Prinzipien, die unser Leben prägen. Ordnung steht dabei für Struktur, Kontrolle und Vorhersehbarkeit, während Unordnung das Chaotische, Unvorhersehbare und scheinbar Regellose verkörpert. Diese beiden Pole stehen jedoch nicht nur im Widerspruch zueinander, sondern sind eng miteinander verwoben. Die Unordnung kann aus der Ordnung entstehen, genauso wie sich aus dem Chaos neue Strukturen formen können. Beide sind Teil eines dynamischen Wechselspiels, das sowohl unser Denken als auch unsere Umwelt prägt. Auch im Alltag begegnen wir ständig der Frage nach Ordnung und Unordnung. Ein unaufgeräumter Schreibtisch kann sowohl Ausdruck kreativen Schaffens als auch ein Symbol für Chaos und Überforderung sein. Ordnung hingegen vermittelt oft Sicherheit, kann aber auch starr und einschränkend wirken. Es ist dieses Spannungsverhältnis, das Ordnung und Unordnung so faszinierend macht: Die eine kann ohne die andere nicht existieren. Ordnung entsteht, indem Chaos gezähmt wird, und Unordnung bricht aus der Struktur hervor, wenn sie zu eng wird.
Mirjeta Ajeti: Der erste Pinselstrich, Acryl auf LW, 80 x 60 cm
Diese Dualität lässt sich auf viele Bereiche des Lebens übertragen. In der Natur zeigt sich dieses Prinzip beispielsweise in der Selbstorganisation von Systemen: Aus der scheinbaren Unordnung von Molekülen entstehen organische Formen und Lebewesen, während natürliche Katastrophen bestehende Strukturen zerstören und Neues ermöglichen. Auch in der Gesellschaft spielen Ordnung und Unordnung eine entscheidende Rolle, etwa wenn soziale Normen auf rebellische Bewegungen treffen, die bestehende Systeme in Frage stellen.
Die Auseinandersetzung mit Ordnung und Unordnung lädt dazu ein, über unsere eigene Beziehung zu Struktur und Chaos nachzudenken. Wo brauchen wir mehr Ordnung, um Stabilität zu schaffen, und wo kann Unordnung uns helfen, kreative Lösungen zu finden? Vielleicht liegt die Antwort in der Balance zwischen den beiden Polen, die es uns ermöglicht, sowohl Freiheit als auch Orientierung zu erleben.
Lehrender: Prof. Max Schulze
Carlotta Rodewald: Großes Mädchen, Acryl und Papier auf LW, 40 x 50 cm
Annika Wickel: o.T., Acryl auf LW, 90 x 60 cm
Michelle Chiantone, o.T., Acryl auf LW, 60 x 50 cm
Nida Güleç: o.T., Acryl auf LW, 70 x 50 cm
Henrike Pohle: POV: What I eat in a day , Acryl auf LW, 80 x 100 cm
Till Görlitz: Teargas Tuesday, Acryl auf LW, 50 x 50 cm
Die Inneneinrichtung dient primär der Funktionalität und dem Komfort, doch spielt sie auch eine bedeutende Rolle in der Selbstdarstellung und dem Ausdruck persönlicher Vorlieben. Möbel und Dekoration spiegeln die individuellen Geschmäcker der Bewohner wider und geben Auskunft über deren sozialen und finanziellen Status. Ein schön eingerichteter Raum kann als Rückzugsraum dienen, während ein hässlich empfundener Raum oft als unangenehm empfunden wird. Die Auswahl der Einrichtungsgegenstände und deren Anordnung verraten viel über die Persönlichkeiten der Bewohner. Einrichtungskonzepte und -stile sind dabei vielfältig und unterliegen modischen Strömungen. Während einige Menschen klassische, zeitlose Möbel bevorzugen, tendieren andere zu modernen, minimalistischen Designs. Die persönliche Vorliebe für bestimmte Materialien, Farben und Formen spiegelt sich in der gesamten Raumgestaltung wider. So wird das Interieur nicht nur zu einem funktionalen Raum, sondern auch zu einem Ausdrucksmittel individueller Identität.
Ina Weinbrich: Sich gehen lassen, Acryl auf LW, 60 x 80 cm
Heute ist das Interieur nicht nur ein privater Rückzugsraum, sondern auch ein Statussymbol. Hochwertige Möbel und Designerstücke signalisieren Wohlstand und Geschmack. In sozialen Netzwerken und Wohnmagazinen werden stilvoll eingerichtete Räume präsentiert und dienen als Inspirationsquelle für viele. Die Einrichtung eines Zuhauses ist somit auch ein Statement, das über den persönlichen Lebensstil und den sozialen Status Auskunft gibt. Welche Bilder oder Gefühle verbinden Sie mit Ihrer Inneneinrichtung? Mit welchen Themen könnten die verschiedenen Aspekte Ihres Wohnraums verknüpft werden? Welche Einrichtungskonzepte sprechen Sie persönlich an, und wie spiegeln diese Ihre Identität wider?
Lehrender: Prof. Max Schulze
Nele Take: o.T., Acryl auf LW, 100 x 70 cm
Hella Westers: Fahrstuhl, Acryl auf LW, 60 x 90 cm
Selin Nur Üstün: Es werde Licht, Acryl auf LW, 40 x 30 cm
Joanna Schmidt: Piss Chick, Acryl auf LW, 80 x 60 cm
Aysel Yildiz: Die Nostalgie des Sonnenaufgangs, Linoldruck auf Papier, 45 x 64 cm
Oksana Kuitkowski: Deconstructed Minnie, Linoldruck auf Papier, 64 x 45 cm
Entdecke die Kunst des mehrfarbigen Holzschnitts in der Technik des verlorenen Schnittes. Zu Beginn des Seminars steht die Erstellung eines materialgerechten Entwurfs, der die Grundlage für deinen mehrfarbigen Holzdruck bildet. Durch schrittweises Schneiden und Drucken entsteht ein druckgrafisches Werk, bei dem jede Farbschicht präzise aufeinander abgestimmt wird. Dieses Seminar bietet dir die Möglichkeit, deine Bildideen in ein druckgrafisches Werk zu überführen, das durch spezifische Qualitäten des Mediums über eine besondere Farbwirkung verfügt.
Lehrender: Julian Kirchner
Henrike Pohle: o.T., Linoldruck auf Papier, 64 x 45 cm
Yasmin Kutschera: Ohngesicht, Linoldruck auf Papier, 64 x 45 cm
Maja Mendelin: o.T., Linoldruck auf Papier, 45 x 64 cm
